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Im Laufe der Jahre hat sich die Musik verändert. Sie ist durchzogen von heftigen Popzügen, die einfließen in eine Welt aus Rap und kommerzieller Musik. Kaum jemand hört noch Jazz-Musik, nein, lieber scharfe E-Gitarren, die sich abwechseln mit rockigen Klängen und dem Beben des Schlagzeuges. Sinnige Texte: Fehlanzeige. Da wird der Regen besungen, irgendein Weg oder aber wie immer die Liebe. Das muss nicht einmal unbedingt schlecht sein, ist es aber bisweilen leider zu häufig gewesen. Back to the roots, zurück zum Ursprung, sollte es gehen, könnte man zumindest meinen. Was ist eigentlich mit der pfiffigen Jazz-Musik, die uns unsere Beine schwingen lässt? 

William Parker ist ein afroamerikanischer Vertreter der Jazz-Musik. Es ist nicht schnöde, was er da spielt, sondern eher modern. Seine Musik ist eine Inspiration aus Liedtexten, die geschrieben worden sind von Amiri Baraka. Gesungen werden sie sehr laut und bombastisch – wenn man das in der Jazzmusik sagen darf – von der Sängerin Leena Conquest.

Parker ist ein anderer Künstler als die, die scheinheilige Statements von sich abgeben. Er ist genau das Gegenbeispiel so vieler Künstler, die nur von Tradition und Kulturbewahrung reden, denn er vollzieht das und legt die Messlatte hoch. Das, was er in seinen Liedern zum Ausdruck bringen will, versucht er auch fernab der Musik umzusetzen und engagiert sich sozial und auf politisicher Ebene. 

Unter Cecil Taylor lernte er sehr viel. Dem Tagesspiegel sagte er einmal einen sehr tief bedeutenden Satz: “Was ich bei Taylor lernte, war, dass musikalische Stilistik keine Bedeutung hat. Ich konnte aus all den Songs wählen, die in der Welt existieren, und das zeigte mir, wie weit man gehen kann – grenzenlos.” Allein dieses Zitat zeigt, in welcher Kategorie Parker anzutreffen ist. 

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Um eine der oder sogar die begnadeteste Bluessängerin zu werden, bedarf es neben einer gehörigen Portion Talent auch der Fähigkeit, am Abgrund zu balancieren und den dazu passenden Lebensstil. Dies alles hat Etta James mitgebracht. Die Sängerin, nun kurz vor ihrem 74. Geburtstag verstorben, hat ein bewegtes Leben gelebt, und mit ihren Songs viele zu Tränen gerührt.

Begonnen hat ihre Karriere, als sie 14 jahre alt war. Entdeckt vom Musiker Johnny Otis an einer Straßenecke, fand sie sich kurze Zeit später auf der Bühne wieder, im Jahr 1960 hatte sie ihren ersten Plattenvertrag beim einflussreichen Blueslabel Chess in Chicago. Der Song ‘All I could do was cry’ war ihr erster Hit, Markenzeichen schon damals ihre wunderbar rauchige Stimme, die wenn sie wollte so brüchig klingen konnte, dass es die Zuhörer erschaudern lässt.

In ein Genre hat sie sich nicht einordnen lassen, egal ob Blues, Soul oder Americana, sie war auf allen Bühnen zu Hause, ihr Repertoire reichte von bitteren Balladen bis hin zu fröhlichen RnB-Songs. Im Chicago hat sie nicht nur Muddy Waters, Chuck Berry und Bo Diddy kennen gelernt, sondern auch den sogenannten Sportin Life, ein ganz bestimmter Lebensstil, der alles andere als gesund ist. Erst in den 1970er Jahren hat sie es geschafft, sich aus dem Sumpf ihrer Heroinsucht wieder zu befreien. Die Sucht nahm ihr ihre Stimme und ihr Vermögen, der Tiefpunkt ihres Lebens war erreicht. Mitte der 90er Jahre ging es dann wieder bergauf, es gelang ihr ein musikalisches Comeback, was ihr sogar drei Grammys einbrachte. Nun hat Etta James ihren letzten Kampf gegen die Leukämie verloren, ihre Songs aber wird die Welt nicht so schnell wieder los, zum GLück.

Nachdem er seine Ausbildung am Boston Conservatory of Music abgeschlossen hatte, mischte er sich in den 50er Jahren unter die Musiker der blühenden Jazz-Szene der Stadt. Bald wurde er mit Miles Davis bekannt gemacht, in dessen Quartett er Mitte der 60er Jahre spielte. Es folgte eine Reihe von Alben für das legendäre Label Blue Note, unter anderem an der Seite des Bassisten Dave Holland oder des Schlagzeugers Tony Williams.

In den 70er Jahren eröffnete er mit seiner Frau Bea in ihrem Loft in New York das Studio Rivbea im East Village, das schnell zu einem der wichtigsten Zentren des Free Jazz avancierte. Hier gingen Größen wie Andrew Hill und Cecil Taylor ein und aus und weiteten die Grenzen der Improvisation. Rivers, begnadeter Saxophonist, Flötist, Klarinettist und Pianist, musizierte bis ins hohe Alter mit.

In den 80er Jahren spielte er mit Dizzy Gillespies United Nations Band, bevor er sich in Orlando niederließ, wo er wiederum auch eine eigene Band gründete.

“Mein Vater hat jede Minute seiner Arbeit genossen”, sagte seine Tochter kurz nach seinem Tod. In ihren Augen habe er sein ganzes Leben lang Ferien gehabt. Das Wort Ruhestand sei nicht Teil seines Vokabulars gewesen.

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Im frühen 20. Jahrhundert ist Jazz durch schwarze Musiker in den Südstaaten von Amerika entstanden. Die Stilrichtung des Chicago-Jazz hat sich erst später entwickelt, als das berühmte Vergnügungsviertel in New Orleans, Storyville, zu Beginn der 20er Jahre geschlossen wurde. Viele der Musiker, die hier gespielt haben, sind nach New York oder Chicago weitergezogen. Zu ihnen gehörten unter anderem auch King Oliver, Jelly Roll Morton und Louis Armstrong.

Die Szene in Chicago blüht, daran kann auch die Prohibition nichts ändern, die 1919 einsetzt. Denn Gangster wie Al Capone sorgen dafür, dass die Unterhaltungsindustrie überlebt. Die Stilrichtung, die hier entsteht, ist geprägt von einer starken Bedeutung der einzelnen Soli. Der Jazz, der noch in New Orleans gespielt wurde, war eher Kollektivimprovisation. Außerdem wird dem Saxophon mehr Bedeutung zugemessen und die Musiker halten sich emotional mehr zurück. Bass und Gitarre lösen Tuba und Banjo ab. Bekannte Vertreter des Chicago Jazz sind unter anderem Jimmy McPartland, Frank Teschemacher, Red Nichols und der junge Benny Goodman. Louis Armstrong nimmt in Chicago seine ersten Platten auf. Joseph King Oliver wurde zu einer lokalen Größe, weil er wilden, unbändigen Jazz spielte. 

Auch heute spielt Chicago noch eine wichtige Rolle in der Jazz-Szene: Jedes Jahr findet hier das große Chicago Jazz Festival im Grant Park statt. Das Festival hat seinen Ursprung 1979, als die zuständigen Behörden einen Kompromiss finden wollen, um den großen Zustrom von Musikern und Zuschauern unterzubringen und zu koordinieren. Bis dahin haben nämlich drei gleichzeitig stattfindende Festivals für ein ziemliches Chaos gesorgt. 

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Der Bepop läutete einst eine neue Spielart des Jazz ein. Der Hard Bop ist hingegen eine Variante der frechen Jazz-Strömung. Dabei darf man sich von dem Wort “Hard” nicht täuschen lassen: Hard Bop klingt alles andere als hart, nämlich ziemlich poppig. Er vereint die Rhythmik von Jazz-Musik mit melodischen Elementen des Blues, Gospel und Soul. Typische Instrumente sind dabei wenig überraschend Klavier, Schlagzeug, Trompete, Posaune, Bass und Saxophon. Dabei hebt sich gerade das Bass-Spiel vom herkömmlichen Jazz ab, es ist in den Vordergrund gerückt und sehr akzentuiert. Ansonsten tragen meist Klavier und Saxophon die Melodie, was auch an manche afroamerikanische Pop-Varianten erinnert.

Als Vater des Hard Bop gilt Art Blakey, den man auch unter dem Namen Abdullah Ibn Buhainah kennt. Er ist Schlagzeuger und stammt aus Pittsburgh, zog aber schließlich nach New York, dem damalige Mekka des Jazz’ und Hard Bops. Er führte die Band “The Jazz Messengers” an, die aus der bereits 1947 gegründeten Formation “Seventeen Messengers” entstand. Auf ihn geht auch der Hard-Bop Nachwuchs-Förderpreis zurück. Auch andere Größen der Jazz-Szene haben sich im Hard Bop ausgetobt: So etwa Miles Davis, Donald Byrd und John Coltrane. Die jedoch wohl zweitwichtigste Formation des Hard Bop nach den “Jazz Messengers” ist das “Clifford Brown & Max Roach Quintet”, das vom Trompeter Clifford Brown und dem Schlagzeuger Max Roach ins Leben gerufen wurden.

Das Genre entwickelte sich unter vielen moderneren Strömungen und im Laufe der Jahre immer mehr in eine soulige Richtung. Zu verdanken ist das unter anderem dem Saxophonisten Julian Cannonball Adderley, der einige Jahre mit dem weltberühmten Trompeter Miles Davis um die Welt tourte. Er spielte mit seinem eigenen Quintet, dem “Cannonball Adderley Quintet”, Hard Bop-Songs mit erheblich mehr Soul als etwa noch Art Bakley und ließ so den Soul Jazz entstehen.

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Während der 1920er Jahre war die Damenmode stark von der Identität des Jazzalters geprägt. Die Jazzkultur zog schon früh trendbewusste Modefans an. Sie trugen mit ihren charakteristischen Stylings rasch dazu bei, dem Jazz ein beinahe unverwechselbare Prägung zu geben.

Die Dame von damals, die ausgelöst vom Ende des Ersten Weltkriegs und nach der Überwindung der Grippewelle, die 1918 tausende von Opfern forderte, wollte sich einfach nur ihres Lebens erfreuen. Technische Neuerungen in der Textibranche, vor Allem die Durchsetzung der Nähmaschine, machten es vielen Frauen möglich Mode im heimischen Umfeld selbst herzustellen. Die Mode wurde somit auch für weniger betuchte Frauen interessant und war nicht länger eine reine Sache der Eliten. 

Das Selbstbewusstsein der Frau wurde durch die 1920 in den Vereinigten Staaten und in 1928 in Großbritannien garantierte Wahlberechtigung noch einmal verstärkt. Die, so von den starren Fessel der Gesellschaft befreiten Frauen schnitten sich nun trendige Frisuren und trugen hohe Absätze.

Jazz war der Sound der die Jugend und Modekultur der damaligen Zeit maßgeblich prägte. Wider allem Schrecken, den die gesellschaftlichen Tragödien, vor allem der erste Welkrieg auslöste, setzte sich in der Jugendkultur das Prinzip des Hedonismus durch. Scott Fitzgerald bezeichnete diese Generation, die das schnelle Leben, den Tanz, den treibenden Sound des Jazz und den Aufstand gegen die Autoritäten liebte, als eine Verlorene.

Die wilden Mädchen dieser Zeit, Flapper genannt, passten sich mit kurzen Röcken an die burschikosen Tänze der 1920er an.  Schon während die Männer im Krieg kämpften kamen den Frauen immer mehr Aufgaben zu, die einstmals reine Männersache waren, diese gaben ihnen ein ganz anderes, ein moderneres Rollenverständnis.

Michelle Gloria-Weimann

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Cool Jazz, die in den 1940er enstandene Weiterentwicklung des Bebops, kann ohne zu übertreiben als Quantensprung der Musikgeschichte betrachtet werden. 

Schon der Bebop schickte sich an den Jazz weg von der reinen Unterhaltungsmusik hin zu einer Musk zu richten, die ohne mit der Wimper zu zucken, als künstlerisch anspruchsvoll bezeichnet werden kann. Mit dem Aufkommen des Cool Jazz wurde der extovertierte Klang des Bebops durch introvertiere, kühle Klänge abgelöst. Daher auch die Bezeichnung “cool”, die sich weniger auf den Habitus der Künstler, sondern auf die kühle Grundhaltung der Musik bezieht. 

Mit dem Cool Jazz hielten strukturierte Arrangements Einzug in die Form des Jazz, was von den stilgebenden Musikern, die meist eine akademische musikalische Ausbildung besaßen, eingeleitet wurde. 

Fragt man nach den Vätern, den Begründern, der Avantgarde des Cool Jazz, so fällt wahrscheinlich als erstes der Name Claude Thornill. Dieses musikalisches Genie machte sich nach dem Zweiten Weltkrieg mit seinem Claude Thornhill Orchestra einen Namen in der Jazz-Szene. In seinem Umfeld arbeiten Künstler wie Gil Evans und auch die Legende Miles Davis. Jeder von ihnen steuert einen Teil seines Genius bei, um den Cool Jazz als Stilrichtung zu etablieren. 

Die meisten dieser Legenden waren in vorangegangen Zeiten einmal Beboper, große Musiker mit Konzertausbildung. Im Jahre 1953 gelangt Miles Davis zu großem Erfolg mit seiner Platte “Birth of the Cool”, die wie keine andere symbolisch für den Übergang von Bebop zu Cool Jazz steht. 

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So hat es wie schon angeschnitten seinen Ursprung bei den schwarzen Sklaven aus Amerika. Deren Gesänge, welche übrigens auch den Ursprung für viele weitere Musikrichtungen haben, vermischten sich mit der europäischen Blasmusik. Das war so etwas wie der Grundstein für die Jazz Musik. So entstanden dabei die Brass Bands, welche als wichtigstes Stilmittel für den Jazz gelten.

Interessant sind zwei Dinge. Zum einen waren es erstaunlicherweise die Weißen, welche für die endgültige Verbreitung der Musik verantwortlich waren, obwohl der Jazz als Musik der Schwarzen galt. Zum anderen erlebte der Jazz nicht nur einen Höhepunkt, sondern hatte aufgrund seiner hohen Wandlungsfähigkeiten mehrere Blütezeiten. Die erste erlebte er dabei wohl um 1897, da in New Orleans die Prostitution legalisiert wurde und somit den Jazzmusikern vielfältige Arbeitsmöglichkeiten verschaffte. Hinzu kommt, dass sich in den 20er Jahren Chicago zu einer Art Metropole des Jazz entwickelte und somit auch die Entwicklung weiter voran trieb. Die 60er Jahre können wohl als einer der “höchsten Höhepunkte” angesehen werden, da durch den Free Jazz alle möglichen grenzen gesprengt werden.

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Die Imitations-Phase beginnt bereits in den frühen 20er Jahren, als der Jazz als Modemusik nach Europa importiert wurde. Die meisten Musiker und Komponisten kannten Jazz nur aus Notenbüchern und ähnlichen Anleitungen, live erlebt hatte ihn damals kaum jemand. Das Orchester des Pianisten Sam Woodings und die Jazz Kings unter Leitung des amerikanischen Drummers Louis Mitchell sind dabei in ihrer Rolle hervorzuheben, frühen Jazz oder Jazz-inspirierte Tanzmusik in Europa verbreitet zu haben – sie bereisten in den 20er Jahren Metropolen wie London, Paris, Barcelona, Hamburg und Berlin, aber auch die ehemalige Sowjetunion. Erst 1932 waren mit Louis Armstrong und ein Jahr später mit Duke Ellington die ersten wirklichen und stilbildenden Jazz-Musiker in Europa unterwegs.

Die Zeit des Zweiten Weltkriegs war auch für den Jazz in Europa ein herber Rückschlag. Nazis verunglimpften die Jazz-Improvisationen als „Neger-Musik“ und verboten die öffentliche Aufführung. Dennoch fanden sich Jazz-Fans in sogenannten Hot Clubs zusammen, also kleinen Organisationen, deren Mitglieder sich gemeinsam amerikanische Platten anhörten, diskutierten, improvisierten und auch kleine Konzerte gaben. Aus diesen lokalen und regionalen Clubs entwickelte sich auch die Jazz-Szene nach dem Ende des Kriegs weiter: Sie organisierten Konzerte, luden amerikanische Jazz-Größen ein und informierten über verschiedene Strömungen im Jazz wie dem Revival des 20er Jahre Sounds, dem Bebop oder dem modernen, progressiven Jazz.

Erst gegen Mitte der 50er Jahre begann die Phase der europäischen Jazz-Emanzipation: Musiker kombinierten dabei amerikanische Vorbilder mit europäischer Folklore. Gerade die Entwicklung des Free Jazz ermöglichte das Loskommen vom reinen Imitieren – hier war alles erlaubt, was jazzte. Spätestens in den 60er Jahren dann fanden sich schon verschiedene, sehr individuelle Jazz-Stile in Europa: Der europäische Jazz war geboren und lockte auch immer mehr amerikanische Jazz-Musiker ins alte Europa zurück.