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Für viele ist er die schönste Stimme, die der Jazz heute zu bieten hat: Die Rede ist natürlich vom Sänger Gregory Porter. Der avancierte vom Niemand zum Star der Jazz-Szene. Wenn Porter eine Bühne betritt, steigt die Stimmung ganz automatisch. Er hat den Groove und große Gefühle einfach im Blut. Nun hat er seinen zweiten Longplayer vorgelegt, „Be Good“. Und der hält sein Versprechen: Porter sorgt für gute Laune und positive Gefühle.

Aufgewachsen ist Porter, der optisch eher an einen Preisboxer als an einen Sänger erinnert, im US-amerikanischen Kalifornien. Seine Mutter spielte immer wieder Hits von Nat King Cole, Marvin Gaye oder John Coltrane, die auch bei Porter ihre Spuren hinterließen. Generell war in ihrem „very southern“ Viertel Blues und Soul total angesagt, viele schwarze Zuwanderer kamen nämlich in seinem Heimatstädtchen Bakersfield von überall her zusammen.

In der Tat strebte Porter eigentlich erst eine Karriere als Sportler im US-amerikanischen Nationalsport Football an, doch wegen einer schweren Verletzung war dieser Traum schnell vorbei. Er schlug sich irgendwie durchs Leben, trat hier und da in Clubs in San Diego auf, machte bei Musicals mit. Erst 2010, mit mehr als vierzig Jahren auf dem Buckel, erschien Porters Debüt „Water“. Das wurde prompt für einen Grammy nominiert. Gesehen hatte Porter, der quasi über Nacht zum Jazz-Star avancierte, zuvor kaum jemand. Umso größer waren die Aufregung und die Überraschung, wann immer er auftrat: Beim Hamburger Elbjazz Fest wurde er quasi entdeckt, dann ging es schon zu Veranstaltungen wie dem North Sea Jazz Festival in Den Haag und dem JazzFest in Berlin.

Eine rührende Erfolgsgeschichte, die zeigt, dass es auch heutzutage nicht unbedingt große Agenten und Pop-Profis braucht, um musikalisch durchzustarten – allerdings auch, dass man dann viel Geduld mitbringen sollte. Nicht jeder Musiker wartet gerade mal dreißig Jahre auf seinen Erfolg. Bei Porter aber hat sich das Warten definitiv gelohnt!

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Die deutsche Jazzmusik braucht Geld und fordert nun staatliche Subventionen. Ein norwegisches Beispiel soll hierbei den Weg weisen. Die Meinungen über Jazz gehen weit auseinander. Die einen finden ihn irrelevant und nervig, andere sehen in ihm ein Stück Kulturgut, dass es zu fördern gilt. Noch nie wurde über die Situation der Jazzmusik in Deutschland so gestritten wie derzeit. Im Rahmen einer großen Anfrage schafft die Jazzmusik es jetzt sogar bis in den deutschen Bundestag. Die SPD-Fraktion hat diese Anfrage gestellt.

Die Pianistin Julia Hülsmann und der Saxofonist Felix Falk haben die Initiative „Für einen starken Jazz in Deutschland“ gegründet und in den letzten Monaten über tausend Unterschriften gesammelt, um staatliche Subventionen zu erhalten. Jazz sei den Initiatoren zu Folge gleichberechtigt zu sehen mit der E-Musik, die sich auch ohne staatliche Hilfen nicht weiterentwickeln könne. Den insgesamt 84 Konzerthäusern für klassische Musik, die aus öffentlichen Gelder gefördert werden, stehen lediglich vier für den Bereich Jazz zur Verfügung. Zu wenig.

Der Jazz hat sich weiterentwickelt. Nicht länger mehr ist er die Musikrichtung der Alten, mittlerweile haben sich viele gutausgebildete junge Künstler von den alten Idolen abgenabelt und machen zeitgenössischen Jazz. Ein Defizit nehmen viele Jazzmusiker in der Berichterstattung wahr. Die wenigsten Medien würden richtig über sie berichten, dadurch ließe sich der Publikumsschwund erklären.

Ein Beispiel aus Norwegen soll nun den Jazz wieder zu seiner ursprünglichen Blütezeit verhelfen. In dem kleinen Land im hohen Norden wird seit vielen Jahren in die musikalische Infrastruktur investiert. Eine staatliche Agentur organisiert hier seit langem Konzerte quer durch alle Genres. Auslandstourneen der Bands werden gefördert und es wird dafür gesorgt, dass die Kinder schon früh mit Musik in Berührung kommen. Darüber hinaus betreibt ein Ableger der staatlichen Agentur einen Club in Oslo in dem ausschließlich Jazzkonzerte statt finden. Über 150 Konzerte im Jahr mit vollen Publikumsrängen sprechen Bände. Nun hoffen auch die deutschen Jazzmusiker auf Unterstützung.

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Das Bild entstand unter der Regie von Starfotograf Greg Gormann, unter anderem bekannt durch Arbeiten mit Barbra Streisand, Grace Jones, Bette Midler und Joe Cocker. Vor der Kamera ist der 21-jährige Skateboarder und Graffiti-Künstler Jordan David Miles zu sehen.

Bei der Gestaltung des Festivalplakats ließen die Veranstalter Gormann freie Hand. Dieser schaute sich alte Werbeplakate für das Festival an und stieß auf einen Akt im Jahre 1969. Ein weiblicher Akt zierte damals das Plakat zusammen mit der Trompete von Eric Wondergem. Gormann fand die Idee eines Akts inspirierend, da ein Akt zum einen faszinieren kann und zum anderen Unbehagen beim Betrachter auszulösen vermag. Ähnlich verhalte es sich mit der Musik, findet Gorman und begründet damit seine Motivwahl.

Das Motreux Festival gilt als eines der renommiertesten Festivals im Bereich Jazz auf der Welt. Es findet am Genfer See statt und dauert zwei Wochen. Mit seiner Vielzahl an Stammgästen und Jazzgrößen zieht es jedes Mal ein großes Publikum an. Das Programm für das diesjährige Festival, welches vom 29. Juni bis zum 14. Juli stattfindet, wird erst  am 19. April bekannt gegeben.

Bereits mit der Gründung des Festivals im Jahr 1967 zog es jedes Jahr immer wieder die große Jazzprominenz auf die Bühne, unter anderem Ella Fitzgerald, Count Basie und Keith Jarrett. Doch auch unbekannt Künstler fanden hier stets ein aufmerksames Publikum. Eine weitere Größe des Festivals ist, dass es über den Tellerrand hinaus schaut und auch Musiker aus anderen Genres einlädt. Legendär sind zum Beispiel die Auftritte von Led Zeppelin oder auch Deep Purple geworden.

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Im Laufe der Jahre hat sich die Musik verändert. Sie ist durchzogen von heftigen Popzügen, die einfließen in eine Welt aus Rap und kommerzieller Musik. Kaum jemand hört noch Jazz-Musik, nein, lieber scharfe E-Gitarren, die sich abwechseln mit rockigen Klängen und dem Beben des Schlagzeuges. Sinnige Texte: Fehlanzeige. Da wird der Regen besungen, irgendein Weg oder aber wie immer die Liebe. Das muss nicht einmal unbedingt schlecht sein, ist es aber bisweilen leider zu häufig gewesen. Back to the roots, zurück zum Ursprung, sollte es gehen, könnte man zumindest meinen. Was ist eigentlich mit der pfiffigen Jazz-Musik, die uns unsere Beine schwingen lässt? 

William Parker ist ein afroamerikanischer Vertreter der Jazz-Musik. Es ist nicht schnöde, was er da spielt, sondern eher modern. Seine Musik ist eine Inspiration aus Liedtexten, die geschrieben worden sind von Amiri Baraka. Gesungen werden sie sehr laut und bombastisch – wenn man das in der Jazzmusik sagen darf – von der Sängerin Leena Conquest.

Parker ist ein anderer Künstler als die, die scheinheilige Statements von sich abgeben. Er ist genau das Gegenbeispiel so vieler Künstler, die nur von Tradition und Kulturbewahrung reden, denn er vollzieht das und legt die Messlatte hoch. Das, was er in seinen Liedern zum Ausdruck bringen will, versucht er auch fernab der Musik umzusetzen und engagiert sich sozial und auf politisicher Ebene. 

Unter Cecil Taylor lernte er sehr viel. Dem Tagesspiegel sagte er einmal einen sehr tief bedeutenden Satz: “Was ich bei Taylor lernte, war, dass musikalische Stilistik keine Bedeutung hat. Ich konnte aus all den Songs wählen, die in der Welt existieren, und das zeigte mir, wie weit man gehen kann – grenzenlos.” Allein dieses Zitat zeigt, in welcher Kategorie Parker anzutreffen ist. 

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Um eine der oder sogar die begnadeteste Bluessängerin zu werden, bedarf es neben einer gehörigen Portion Talent auch der Fähigkeit, am Abgrund zu balancieren und den dazu passenden Lebensstil. Dies alles hat Etta James mitgebracht. Die Sängerin, nun kurz vor ihrem 74. Geburtstag verstorben, hat ein bewegtes Leben gelebt, und mit ihren Songs viele zu Tränen gerührt.

Begonnen hat ihre Karriere, als sie 14 jahre alt war. Entdeckt vom Musiker Johnny Otis an einer Straßenecke, fand sie sich kurze Zeit später auf der Bühne wieder, im Jahr 1960 hatte sie ihren ersten Plattenvertrag beim einflussreichen Blueslabel Chess in Chicago. Der Song ‘All I could do was cry’ war ihr erster Hit, Markenzeichen schon damals ihre wunderbar rauchige Stimme, die wenn sie wollte so brüchig klingen konnte, dass es die Zuhörer erschaudern lässt.

In ein Genre hat sie sich nicht einordnen lassen, egal ob Blues, Soul oder Americana, sie war auf allen Bühnen zu Hause, ihr Repertoire reichte von bitteren Balladen bis hin zu fröhlichen RnB-Songs. Im Chicago hat sie nicht nur Muddy Waters, Chuck Berry und Bo Diddy kennen gelernt, sondern auch den sogenannten Sportin Life, ein ganz bestimmter Lebensstil, der alles andere als gesund ist. Erst in den 1970er Jahren hat sie es geschafft, sich aus dem Sumpf ihrer Heroinsucht wieder zu befreien. Die Sucht nahm ihr ihre Stimme und ihr Vermögen, der Tiefpunkt ihres Lebens war erreicht. Mitte der 90er Jahre ging es dann wieder bergauf, es gelang ihr ein musikalisches Comeback, was ihr sogar drei Grammys einbrachte. Nun hat Etta James ihren letzten Kampf gegen die Leukämie verloren, ihre Songs aber wird die Welt nicht so schnell wieder los, zum GLück.

Nachdem er seine Ausbildung am Boston Conservatory of Music abgeschlossen hatte, mischte er sich in den 50er Jahren unter die Musiker der blühenden Jazz-Szene der Stadt. Bald wurde er mit Miles Davis bekannt gemacht, in dessen Quartett er Mitte der 60er Jahre spielte. Es folgte eine Reihe von Alben für das legendäre Label Blue Note, unter anderem an der Seite des Bassisten Dave Holland oder des Schlagzeugers Tony Williams.

In den 70er Jahren eröffnete er mit seiner Frau Bea in ihrem Loft in New York das Studio Rivbea im East Village, das schnell zu einem der wichtigsten Zentren des Free Jazz avancierte. Hier gingen Größen wie Andrew Hill und Cecil Taylor ein und aus und weiteten die Grenzen der Improvisation. Rivers, begnadeter Saxophonist, Flötist, Klarinettist und Pianist, musizierte bis ins hohe Alter mit.

In den 80er Jahren spielte er mit Dizzy Gillespies United Nations Band, bevor er sich in Orlando niederließ, wo er wiederum auch eine eigene Band gründete.

“Mein Vater hat jede Minute seiner Arbeit genossen”, sagte seine Tochter kurz nach seinem Tod. In ihren Augen habe er sein ganzes Leben lang Ferien gehabt. Das Wort Ruhestand sei nicht Teil seines Vokabulars gewesen.

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Im frühen 20. Jahrhundert ist Jazz durch schwarze Musiker in den Südstaaten von Amerika entstanden. Die Stilrichtung des Chicago-Jazz hat sich erst später entwickelt, als das berühmte Vergnügungsviertel in New Orleans, Storyville, zu Beginn der 20er Jahre geschlossen wurde. Viele der Musiker, die hier gespielt haben, sind nach New York oder Chicago weitergezogen. Zu ihnen gehörten unter anderem auch King Oliver, Jelly Roll Morton und Louis Armstrong.

Die Szene in Chicago blüht, daran kann auch die Prohibition nichts ändern, die 1919 einsetzt. Denn Gangster wie Al Capone sorgen dafür, dass die Unterhaltungsindustrie überlebt. Die Stilrichtung, die hier entsteht, ist geprägt von einer starken Bedeutung der einzelnen Soli. Der Jazz, der noch in New Orleans gespielt wurde, war eher Kollektivimprovisation. Außerdem wird dem Saxophon mehr Bedeutung zugemessen und die Musiker halten sich emotional mehr zurück. Bass und Gitarre lösen Tuba und Banjo ab. Bekannte Vertreter des Chicago Jazz sind unter anderem Jimmy McPartland, Frank Teschemacher, Red Nichols und der junge Benny Goodman. Louis Armstrong nimmt in Chicago seine ersten Platten auf. Joseph King Oliver wurde zu einer lokalen Größe, weil er wilden, unbändigen Jazz spielte. 

Auch heute spielt Chicago noch eine wichtige Rolle in der Jazz-Szene: Jedes Jahr findet hier das große Chicago Jazz Festival im Grant Park statt. Das Festival hat seinen Ursprung 1979, als die zuständigen Behörden einen Kompromiss finden wollen, um den großen Zustrom von Musikern und Zuschauern unterzubringen und zu koordinieren. Bis dahin haben nämlich drei gleichzeitig stattfindende Festivals für ein ziemliches Chaos gesorgt. 

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Der Bepop läutete einst eine neue Spielart des Jazz ein. Der Hard Bop ist hingegen eine Variante der frechen Jazz-Strömung. Dabei darf man sich von dem Wort “Hard” nicht täuschen lassen: Hard Bop klingt alles andere als hart, nämlich ziemlich poppig. Er vereint die Rhythmik von Jazz-Musik mit melodischen Elementen des Blues, Gospel und Soul. Typische Instrumente sind dabei wenig überraschend Klavier, Schlagzeug, Trompete, Posaune, Bass und Saxophon. Dabei hebt sich gerade das Bass-Spiel vom herkömmlichen Jazz ab, es ist in den Vordergrund gerückt und sehr akzentuiert. Ansonsten tragen meist Klavier und Saxophon die Melodie, was auch an manche afroamerikanische Pop-Varianten erinnert.

Als Vater des Hard Bop gilt Art Blakey, den man auch unter dem Namen Abdullah Ibn Buhainah kennt. Er ist Schlagzeuger und stammt aus Pittsburgh, zog aber schließlich nach New York, dem damalige Mekka des Jazz’ und Hard Bops. Er führte die Band “The Jazz Messengers” an, die aus der bereits 1947 gegründeten Formation “Seventeen Messengers” entstand. Auf ihn geht auch der Hard-Bop Nachwuchs-Förderpreis zurück. Auch andere Größen der Jazz-Szene haben sich im Hard Bop ausgetobt: So etwa Miles Davis, Donald Byrd und John Coltrane. Die jedoch wohl zweitwichtigste Formation des Hard Bop nach den “Jazz Messengers” ist das “Clifford Brown & Max Roach Quintet”, das vom Trompeter Clifford Brown und dem Schlagzeuger Max Roach ins Leben gerufen wurden.

Das Genre entwickelte sich unter vielen moderneren Strömungen und im Laufe der Jahre immer mehr in eine soulige Richtung. Zu verdanken ist das unter anderem dem Saxophonisten Julian Cannonball Adderley, der einige Jahre mit dem weltberühmten Trompeter Miles Davis um die Welt tourte. Er spielte mit seinem eigenen Quintet, dem “Cannonball Adderley Quintet”, Hard Bop-Songs mit erheblich mehr Soul als etwa noch Art Bakley und ließ so den Soul Jazz entstehen.

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Während der 1920er Jahre war die Damenmode stark von der Identität des Jazzalters geprägt. Die Jazzkultur zog schon früh trendbewusste Modefans an. Sie trugen mit ihren charakteristischen Stylings rasch dazu bei, dem Jazz ein beinahe unverwechselbare Prägung zu geben.

Die Dame von damals, die ausgelöst vom Ende des Ersten Weltkriegs und nach der Überwindung der Grippewelle, die 1918 tausende von Opfern forderte, wollte sich einfach nur ihres Lebens erfreuen. Technische Neuerungen in der Textibranche, vor Allem die Durchsetzung der Nähmaschine, machten es vielen Frauen möglich Mode im heimischen Umfeld selbst herzustellen. Die Mode wurde somit auch für weniger betuchte Frauen interessant und war nicht länger eine reine Sache der Eliten. 

Das Selbstbewusstsein der Frau wurde durch die 1920 in den Vereinigten Staaten und in 1928 in Großbritannien garantierte Wahlberechtigung noch einmal verstärkt. Die, so von den starren Fessel der Gesellschaft befreiten Frauen schnitten sich nun trendige Frisuren und trugen hohe Absätze.

Jazz war der Sound der die Jugend und Modekultur der damaligen Zeit maßgeblich prägte. Wider allem Schrecken, den die gesellschaftlichen Tragödien, vor allem der erste Welkrieg auslöste, setzte sich in der Jugendkultur das Prinzip des Hedonismus durch. Scott Fitzgerald bezeichnete diese Generation, die das schnelle Leben, den Tanz, den treibenden Sound des Jazz und den Aufstand gegen die Autoritäten liebte, als eine Verlorene.

Die wilden Mädchen dieser Zeit, Flapper genannt, passten sich mit kurzen Röcken an die burschikosen Tänze der 1920er an.  Schon während die Männer im Krieg kämpften kamen den Frauen immer mehr Aufgaben zu, die einstmals reine Männersache waren, diese gaben ihnen ein ganz anderes, ein moderneres Rollenverständnis.

Michelle Gloria-Weimann

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Cool Jazz, die in den 1940er enstandene Weiterentwicklung des Bebops, kann ohne zu übertreiben als Quantensprung der Musikgeschichte betrachtet werden. 

Schon der Bebop schickte sich an den Jazz weg von der reinen Unterhaltungsmusik hin zu einer Musk zu richten, die ohne mit der Wimper zu zucken, als künstlerisch anspruchsvoll bezeichnet werden kann. Mit dem Aufkommen des Cool Jazz wurde der extovertierte Klang des Bebops durch introvertiere, kühle Klänge abgelöst. Daher auch die Bezeichnung “cool”, die sich weniger auf den Habitus der Künstler, sondern auf die kühle Grundhaltung der Musik bezieht. 

Mit dem Cool Jazz hielten strukturierte Arrangements Einzug in die Form des Jazz, was von den stilgebenden Musikern, die meist eine akademische musikalische Ausbildung besaßen, eingeleitet wurde. 

Fragt man nach den Vätern, den Begründern, der Avantgarde des Cool Jazz, so fällt wahrscheinlich als erstes der Name Claude Thornill. Dieses musikalisches Genie machte sich nach dem Zweiten Weltkrieg mit seinem Claude Thornhill Orchestra einen Namen in der Jazz-Szene. In seinem Umfeld arbeiten Künstler wie Gil Evans und auch die Legende Miles Davis. Jeder von ihnen steuert einen Teil seines Genius bei, um den Cool Jazz als Stilrichtung zu etablieren. 

Die meisten dieser Legenden waren in vorangegangen Zeiten einmal Beboper, große Musiker mit Konzertausbildung. Im Jahre 1953 gelangt Miles Davis zu großem Erfolg mit seiner Platte “Birth of the Cool”, die wie keine andere symbolisch für den Übergang von Bebop zu Cool Jazz steht.